Ieri ho visto tre film sulla Rai, di cui due italiani. Ci spiegano da dove veniamo, ma soprattutto dove stiamo andando.

di Sergio Di Cori Modigliani

“Non ho paura di Berlusconi in sè. Ciò che mi mette davvero paura è il Silvio Berlusconi in me”.

                                                                                                   Giorgio Gaber. Milano 1995.

Ogni epoca ha i suoi slogan, i suoi refrain, i suoi lemma, i suoi mantra, le sue parole d’ordine, che diventano socialmente la “firma antropologica” di quella specifica epoca. Una certa espressione assume il significato di sintesi e collante culturale che va poi a costruire l’immaginario collettivo. Il fascismo pose le basi fondanti del pensiero italiano con una frase che allora entusiasmò la collettività, una espressione che nei decenni si radicò, affermandosi in maniera così profonda da provocare l’attuale cancro mentale della nazione: “Io me ne frego”.  Ancora regge e seguita a essere la base strutturale del potere della destra italiana conservatrice.

Gli anni 50 produssero una geniale sottolineatura della guerra fredda e delle sue necessità al fine di garantirsi i soldi americani, con la benedizione del Papa, si intende. E nacque il celebre motto “Cristo ti vede, Stalin no” una frase, questa, che veniva tradotta dai preti nelle parrocchie per spiegare alla gente come il loro voto, in realtà, venisse scrutinato direttamente da Dio, a differenza di quello dato ai comunisti che veniva registrato soltanto dagli scrutatori. C’era in ballo il Paradiso.

Ma dagli anni 50 in poi –ed è ancora oggi così- ci fu un medium che più di ogni altro in assoluto divenne un punto di riferimento fondamentale nella costruzione dell’immaginario collettivo di tutti noi: il cinema. I dialoghi, i dettagli, i particolari delle scene di alcuni film memorabili rimanevano impresse nella memoria e andavano ad assommarsi al motto di quell’epoca. Dire a un francese o a uno svedese “In Italia non esiste il divorzio, le mogli, lì, preferiscono ucciderle” era una frase che non aveva alcun senso, al massimo poteva suonare come una battuta salace. Ma ci pensò Pietro Germi, con un guizzo di geniale creatività tutta italiana, a spiegare al mondo con “Divorzio all’italiana” come funzionava davvero la vita da noi. Basti pensare che nel 1960, quando l’Italia assaporava il benessere, l’economia avanzava al ritmo del +10% all’anno e l’Italia entrava nella modernità, nel paese il femminicidio produceva una quantità annua di vittime pari a un +756% di quello verificatosi nel 2011. E pochissimi, tra gli assassini, finivano in galera. Quel film di Germi (una deliziosa commedia leggera, leggerissima) presentato sotto forma di macabra farsa, finì per allargare a livello di massa il dibattito sulla necessità di promulgare una Legge per il divorzio.

In Italia, negli anni’70, le femministe regalarono a tutti un meraviglioso slogan di poderosa forza “il privato è politico”, una frase davvero splendida, che finì prima censurata, poi annacquata e infine dimenticata, perché immersa in un contesto ideologico che si riferiva soltanto a problematiche strettamente femminili e invece avrebbe dovuto essere allargata per poter finalmente estirpare –proprio grazie all’invenzione di questa frase azzeccata- il trionfale radicamento a livello di dna psico-sociale della frase mussoliniana io me ne frego.

Nel 1973 non esisteva wikipedia, non c’era il web e la televisione ancora contava poco. La gente non andava a caccia di “informazioni” (o “contro-informazioni”) ma andava al cinema per informarsi. Perché un certo film specifico riusciva a spiegare al 100%, davvero a tutti, gli sporchi giochi del potere occulto, con una forza dirompente che oggi non ha nessun blogger, nessun sito, nessuna striscetta su facebook, nessuna twitterata. Uno andava al cinema a vedere “I tre giorni del condor” con Robert Redford e Faye Dunaway (entrambi belli, bravi e affascinanti) e aveva l’opportunità di vedere che cosa combinava la CIA, anche perché la superba sceneggiatura era stata scritta da un ex impiegato dell’agenzia, il che voleva dire che, forse, quella storia poteva essere perfino vera. Quantomeno veritiera.

Le frasi nei film hanno davvero cambiato la coscienza (e il subconscio) collettivo, e alcune frasi declamate da occhioni imploranti, da bocche seducenti, da proprietari di spalle possenti o lunghe gambe dinoccolate, hanno contribuito poi a creare e costruire nuove mitologie distruggendone delle altre. Nascono anche grandi affari, perché frasi e immagini producono suggestioni e attrattive che muovono milioni e milioni di turisti, desiderosi di andare là, proprio in quel punto specifico, su quella veranda particolare, con quella luce, per poter rivivere il magico momento che l’attore/attrice di turno ci aveva regalato sullo schermo.

La città d’Europa che da 50 anni è leader, assoluta e incontrastata, come meta turistica, è Parigi. Non ha rivali. Un divertente studio analitico di quattro anni fa, condotto da un’equipe di sociologi californiani, aveva individuato le tre frasi più ricorrenti, famose e ripetute del cinema americano dal 1956 al 2006. Al primo posto assoluto c’è la frase “I’m going to Paris”: c’è sempre qualcuno, in un film americano, indifferentemente maschio o femmina, che a un certo punto dichiara che va a Parigi, senza alcun motivo. Al terzo anno di successo televisivo, dopo un improvviso calo di consensi, il produttore di “sex & the city” chiamò lo sceneggiatore e gli diede ordine di introdurre nella storia la città di Parigi, pena il licenziamento. Grazie a Parigi, la serie aumentò l’audience del 34%. Quell’anno specifico, circa 25 milioni di americani andarono a Parigi in vacanza, dove ossessivamente chiedevano di andare a quel ristorante e quel bar in cui andava Sarah Jessica Parker nella serie tivvù. I francesi non sapevano neppure di che cosa parlassero, ma si informarono. Qualche mese dopo, il sindaco di Parigi consegnava all’attrice americana le simboliche chiavi della città: in un biennio aveva fatto aumentare il flusso turistico statunitense verso la città di ben 40 milioni di unità, che avevano prodotto una spesa di circa 60 miliardi di euro consentendo di portare in pareggio il disastrato bilancio della città..

La seconda frase più famosa e ripetuta è “I’m not on sale” (non sono in vendita) inconcepibile per una etnia come quella italiana, basata sulla furbizia e sull’abilità, quindi sulla vendita immediata di se stessi al miglior offerente.

La terza è “I’m on my way” (me ne vado per la mia strada); anche questa inimmaginabile per gli italiani, dato che questo è un paese dove la strada viene segnata e segnalata da qualcun altro, molto spesso dal proprio partito. In Italia nessuno può andarsene per la sua strada perché le consorterie hanno costruito diabolicamente una società composta da strade che sono solo apparenti, in realtà dei vicoli ciechi e per i più l’unica alternativa è l’ufficio passaporti per l’esilio volontario.

Il cinema, con le loro frasi e i loro personaggi, ci parlano di noi, descrivono una società come essa è, la mostrano e ne dimostrano il tessuto subliminale.

Così come fa anche la letteratura.

In Italia, non più.

L’abbattimento del numero di lettori in Italia va di pari passo con la proliferazione di gialli, thriller, romanzi noir e mistery. Tutto ciò che non contiene il rischio di offrire un panorama esistenziale reale, vivido, vero, autentico, di ciò che le persone vivono. La “carne” è negata e censurata, così come viene censurata l’idea di dar vita a personaggi verosimili o rappresentativi dell’autentico umore, sapore, colore, dei cittadini reali. In tal modo, poco a poco, si spinge sempre di più il lettore a diventare dipendente da tessiture di trame ordite dagli  editors  a tavolino, con libri fatti in serie e l’abbandono della comunicazione letteraria. Avviene lo stesso con il cinema italiano, dove la realtà dello scambio sociale attuale non appare mai, se non in forma caricaturale o raffazzonata. Nessuna persona al mondo, fuori dall’Italia, oggi, guardando un qualunque film italiano può farsi una idea realistica e legittima di ciò che sta accadendo nel nostro paese, di come vivono le famiglie, di come viviamo tutti, di come avviene e si sviluppa lo scambio quotidiano. La stessa cosa è per i romanzi. Avveniva allo stesso modo negli anni’30 quando sia i film che la letteratura fornivano l’idea di un’Italia completamente diversa da quella reale, con due uniche eccezioni: “Gli indifferenti” di Alberto Moravia, nel 1929 e il film “Il conte Max” di Mario Camerini, del 1936, con Vittorio de Sica, dove si insinua una certa critica sociale, tenue, leggera ma essenziale. Basterebbe pensare che in Italia, tra il 1933 e il 1940 sono stati prodotti ben 457 film e circa 800 romanzi di cui non rimane traccia alcuna per il loro scarso valore e l’interesse nullo delle descrizioni, se non per coloro che si dedicano alla ricerca storica d’archivio.

Finita la premessa, veniamo al post di oggi.

Ieri ho visto tre film alla tivvù (rai) diversissimi tra di loro, eppure tutti e tre legati da un sottilissimo filo. Il primo è un film italiano del 1959, il secondo un film italiano del 1978, il terzo un film belga del 2008. Quindi tre epoche diverse. D’estate la rai tira fuori dai propri archivi vecchi film che ripropone al pubblico e quindi è possibile vedere (o rivedere) delle pellicole di un tempo lontanissimo. Quello del 1959 è un film diretto da Leopoldo Trieste “Il peccato degli anni verdi” con Maurice Ronet, Sergio Fantoni, l’esordio di Raffaella Carrà (una piccolissima parte) e una indimenticabile Alida Valli. Film in bianco e nero, è un film con una storia all’apparenza piatta e piuttosto banale. Una diciassettenne di buona famiglia che frequenta un collegio di suore a Milano viene sedotta da un maturo ricco rampollo, di professione playboy e poi abbandonata. Il fatto è che lei è incinta, oltre che anche innamorata. Va da lui e in preda al furor geloso lo ricatta sotto la minaccia di denunciarlo essendo lei minorenne. Lui cede e paga firmandole un succosissimo assegno. Sembra una storia attuale dei tempi nostri. E invece no.

L’idea della sceneggiatura consiste nel fatto che la ragazza l’assegno non lo incassa. E si fa capire che non lo incasserà mai.  Si rifiuta. Non ha nessuna intenzione di incassarlo. Vuole che venga riconosciuto e accettato il suo principio che è sentimentale e non materiale: l’ha fatto per vendetta d’amore. Si incontrano le famiglie. Due sono le possibili soluzioni, anzi tre: matrimonio, aborto a Londra, oppure lei ragazza madre (con relativo scandalo) e lui pagherà per sempre il mantenimento di entrambi. E così si dipana la storia, mentre sullo sfondo si intravedono gli anni’60 che stanno arrivando, i mutamenti degli umori, la nascita di un nuovo livello di consapevolezza. Il playboy rimane turbato, non è un mascalzone, bensì un farfallone, il che è fondamentalmente diverso e quindi, dopo un po’, si dichiara disposto al cosiddetto matrimonio riparatore. Ma è la ragazza che non vuole. Perché parla con la madre. Sono dieci minuti di dialogo e di splendida recitazione da parte di Alida Valli, nella parte della mamma comprensiva e accudente, che confessa alla figlia di aver sposato suo padre soltanto perché lui era ricco e lei era bella e povera, condannando se stessa all’infelicità perenne. Una Alida Valli meravigliosa, davvero superba, che regala cinque minuti di travolgente intensità e bravura. E così, le due donne, in una loro intimità ritrovata, compiono un atto, per quei tempi, davvero inconcepibile. Mandano a quel paese tutti. La giovane sceglie e decide di andare a vivere all’estero, lontana, e si terrà il figlio da sola. La madre va con lei. Scelgono di sottrarsi al meccanismo e insieme vanno per la loro strada. Diciamo così, una scelta americana.

Il film venne letteralmente massacrato dalla critica. Non venne censurato perché non ne esistevano le ragioni tecniche, ma fecero in modo che stesse nelle sale soltanto pochi giorni e nessuno ne parlasse né dibattesse sull’argomento. Era il finale a sconvolgere la morale di quell’epoca. Soprattutto l’idea che esistono delle alternative, basate sulla indipendenza, sull’autonomia del giudizio, su una visione del mondo non necessariamente basata sul danaro, sulla morale convenzionale, sull’interesse materiale.

Il secondo film è di venti anni dopo. Si chiama “Amori miei”, è del 1978 e presenta un’Italia completamente diversa. Siamo sempre a Milano e sempre nella media-alta borghesia. Regista del film è Steno (Vanzina padre). Protagonisti Johnny Dorelli, Enrico Maria Salerno, Monica Vitti, Edwige Fenech. La storia è davvero esile: una donna è sposata e infelice, ma il marito le sta simpatico e gli vuole bene quindi non vuole divorziare; così si trova un altro che sposa falsificando i documenti e diventa bigama, facendo la spola dall’uno all’altro. Rimane incinta e fa in modo –con dei trucchi- affinchè i due si conoscano e diventino amici, così possono finire tutti insieme appassionatamente. Quando il film uscì, soprattutto per il fatto che si avvaleva della presenza della Vitti e di Salerno, ebbe davvero buone critiche, considerato allora, con aristocratica bonomia ipocrita, un buon prodotto per le masse, perché “ interpretava gli umori dei tempi e dell’epoca”. Guardandolo oggi, 35 anni dopo, invece, lo si legge in tutto un altro modo e saltano agli occhi alcuni aspetti antropologici che preannunciano l’Italia che verrà. Il film, in verità, è una scusa piatta e banale per farci vedere la Fenech nuda. Si parla di escort e si presenta il mondo futuribile dell’Italia che questo film non soltanto preannuncia ma stimola e vagheggia. Un mondo composto da belle donne sempre nude, vogliose e disponibili subito, purchè si paghi e molto e prima e in contanti, perché questo vuol dire essere moderni ed evoluti. Un mondo dove il mercatismo sostituisce la sentimentalità, la furbizia prende il posto della lealtà, e la discriminante è tra i conservatori vecchio stampo, ovvero chi crede nell’amore, nella fedeltà, nella creatività, nella lealtà e i veri progressisti, ovvero chi aspira ad avere la possibilità di potersi pagare a prezzo carissimo delle prostitute –nel film vengono chiamate “amiche accompagnatrici”- con mogli compiacenti purchè ci sia qualcuno che paghi conti salati e vacanze, perché questo è il senso della vita nella modernità, e nel nome della libertà si introducono i concetti base del liberismo più deteriore e volgare, basato sull’idea che le donne sono finalmente autonome, indipendenti, sessualmente libere (e sempre disponibili) ma a condizione di pagarle molto; e quindi bisogna far soldi per averle; non vanno rispettate più le regole, ma  bisogna fare tanti soldi per poterselo permettere. 

Questa considerazione mi ha prodotto un pensiero che è, in verità, un’argomentazione  usata spesso da quelli del PDL in funzione filo-berlusconiana, ovverosia: non è vero che Berlusconi ha cambiato l’Italia involgarendola, annebbiandola, avvilendola, l’Italia era già così, ma non aveva il pudore di dirselo. Lui ha avuto il “coraggio” o l’abilità di interpretare la realtà e renderla palese, tutto qui.

Io penso che mai Paul Newman, Robert Redford e Meryl Streep, o in Gran Bretagna Vanessa Redgrave e Lawrence Harvey o in Francia Yves Montand e Jeanne Moreau avrebbero mai accettato di partecipare a una operazione cinematografica del genere. Ma in Italia sì, e non fu l’unica. Questo fu il primo di una lunga serie che diede inizio alla promozione di scribacchini al posto di sceneggiatori e di cinematografari al posto di produttori e di registi. Avvenne proprio in quell’anno l’inizio della mattanza, ovvero l’acquisto di intellettuali, artisti, registi, scrittori, attori, giornalisti, che poco a poco hanno cominciato a imporre il danaro come valore e come parametro al posto di altri valori. L’anno del delitto Moro. Era un anno quello in cui c’era un governo di larghe intese, allora definito “governo ad ampio sostegno nel nome della responsabilità”. C’era un governo DC-PSI-PSDI-PRI con l’appoggio esterno del PCI, il quale, con la caratteristica ipocrisia della sinistra italiana, consentiva loro di stare al governo, votare le leggi ma dire ai propri elettori che non ci stavano. L’unica opposizione veniva dal MSI e dai radicali.

E così cominciò la compravendita dei talenti e dei pensanti nel nome delle larghe intese, perché allora –come i quotidiani dell’epoca annunciavano- eravamo in una situazione di emergenza economica che giustificò tutto. Da allora, poco a poco, iniziò la deriva. E a poco a poco scomparve prima l’industria cinematografica, poi quella culturale, e infine spuntò il politico Berlusconi quando ormai i giochi erano stati fatti.

Oggi, l’industria cinematografica ed editoriale italiana non ha più mercato.

Pochi mesi prima che questo film venisse prodotto eravamo ancora leader su entrambi i fronti. “Amori miei” è, in questo senso, un film antropologicamente interessante.

Il terzo film è un prodotto belga, del 2008. Si chiama “Il matrimonio di Lorna” ed è stato sceneggiato e diretto dai fratelli Danderre. Presentato a Cannes nel 2008, ha vinto la Palma d’oro (meritatissima) per la migliore sceneggiatura, dopo che i due avevano già vinto per la regia nel 2005 con il film “Les enfants”.  E’ un film che si svolge a Liegi e ci racconta le esistenze vere in Europa alla vigilia della crisi economica che ci ha travolti. Segue, mostra e racconta il disagio sociale di una giovane 25enne attraverso una storia lineare che contiene delle originali idee di scrittura cinematografica. Un film intimista, scuro, quasi claustrofobico, come è la vita dei protagonisti, con un bellissimo finale poetico pieno di speranze e di ottimismo sul futuro di tutti noi. Oltre alla vittoria a Cannes, questi due bravissimi registi/scrittori hanno ottenuto anche un ulteriore (quanto insperato) importante premio: quello per il migliore prodotto culturale di diffusione della francofonia. Il premio francese, invece della consueta targa, medaglia, invito ai talk show  e consueta narcisistica visibilità (inutile) televisiva, è stato un contratto cinematografico a scatola chiusa per il loro futuro lavoro. I due autori hanno investito, negli ultimi quattro anni, il cospicuo assegno, per realizzare circa 15 documentari e 10 corti di 15’ ciascuno sui temi del disagio sociale europeo, da proiettare nei licei francesi per avviare un dibattito pubblico. Quest’attività ha comportato la nascita di circa 150 micro-aziende di giovani produttori di materiale visivo per un’assunzione complessiva di circa 3.000 giovani disoccupati specializzati in scienze della comunicazione, scienze dello spettacolo e attività legate alla produzione di prodotti visivi multi-mediatici. L’unica condizione posta dal governo francese è consistita nell’imporre la lingua francese, vietando l’uso di quella belga, fiamminga o vallone che sia. E loro hanno accettato, ponendo la condizione che venga sempre specificata la loro nazionalità belga, per impedire di finire come il loro grande immortale maestro, l’imbattibile Georges Simenon, che il mondo intero pensa sia francese mentre invece lui era belga e i francesi li disprezzava. Come ha detto Jacques Chirac nel 2002, quando era presidente, “se in Francia avessimo avuto nel ventesimo secolo un genio assoluto del teatro come Luigi Pirandello, a quest’ora, parlerebbero francese in tutta l’Europa”. Una battuta al fulmicotone. Vera, verissima.

Il primo atto politico della nuova presidenza Hollande (il vecchio Chirac è suo personale consulente) è stato quello di aumentare dell’11% il budget di spesa relativo a cultura, arti visive e multi-mediatiche, innovazione tecnologica, scienza, e soprattutto diffusione di attività artistiche che diffondano la lingua, il pensiero, le tradizione della cultura francese. Il primo atto del governo Letta non è certo stato in questa direzione, in un paese come il nostro che è considerato dall’Unesco top leader mondiale incontrastato, in quanto sede di insostituibili e impareggiabili tesori.

Questi tre film sono legati da un filo sottile e, nella loro diversità, hanno qualcosa in comune e ci possono insegnare qualcosa.

Il primo film ci spiega l’humus che di lì a breve avrebbe prodotto la grande stagione del cinema italiano (1960-1975) che portò l’industria cinematografica nazionale al secondo posto nel mondo; soltanto a Roma occupava circa 170.000 addetti. Un film che mostra, inoltre, la differenza tra un film con una grande attrice e un film senza. I cinque minuti di Alida Valli producono una intensa emozione che trasforma una esile trama in un delizioso atto politico di denuncia della morale piccolo-borghese. Nel secondo film nessun attore è in grado di produrre alcuna emozione nel pubblico, se non il titillamento inevitabile grazie alle piacevoli forme fisiche della Fenech. Chi ha costruito quel film, dando inizio a un trend, ha compiuto un atto politico selezionando a tavolino dove e come fosse necessario provocare delle reazioni emotive nello spettatore. Un film che preannuncia la Grande Stagione Italiana delle tette e dei glutei, della promozione di cretineria e furberia, del definitivo abbattimento di qualsivoglia riferimento culturale. Un film pedagogico: ha insegnato agli italiani ciò che dovevano fare ed essere. E gli italiani hanno appreso la lezione.

L’ultimo film, mostra e dimostra il ritorno in Europa de “il privato è politico” lanciando un trend di tradizione che sta furoreggiando in tutto il continente con la totale latitanza della nostra nazione.

Di questo bisognerebbe parlare in parlamento.

Meglio di no.

Sarebbe inutile: nella migliore delle ipotesi si finirebbe per ottenere dei soldi che andrebbero gestiti dai partiti che finirebbero per promuovere le loro clientele. Meglio non eccitare il loro appetito potenziale.

Ma qualcosa è necessario fare: per esempio, costruire un fronte compatto di produttori creativi e rivolgersi ai settori più avanzati del mondo imprenditoriale al fine di promuovere attività che creino lavoro, occupazione e consentano di far ripartire il paese. E’ nel loro interesse, è nel nostro, è nell’interesse dell’intera collettività.

Soprattutto dal punto di vista culturale. Che diventa automaticamente politico e quindi esistenziale.

Non è certo un caso che la grande mattanza è iniziata proprio sulla cultura.

Il resto è stata una ovvia conseguenza.

Se scegli di nutrire un paese a forza di glutei e tette, nel momento in cui arriva sulla scena il più grosso produttore di questi elementi, il paese è pronto ad abbracciare il suo pusher culturale.

Dobbiamo liberarci da queste psico-droghe.